FAC Convidadxs

Montaxes expositivas desenvolvidas por artistas, axentes ou iniciativas culturais por convite do Equipo FAC.

FAC CONVIDADXS ÁNGEL CALVO ULLOA
O FAC Peregrina Fruancho de Arte Contemporánea abre a súa terceira temporada de actividade 2013 recibindo como convidadx ao crítico e comisario Ángel Calvo Ulloa (Lalín, 1984) quen nos propuxo a realización dunha montaxe expositiva da obra do artista Wily, Antonio Taboada Ferradás (Lalín, 1962-2006), contribuíndo así á lectura aínda por facer dun dos expoñentes máis interesantes da escultura galega feita no periodo dos anos oitenta e noventa e dándonos a oportunidade de coñecer máis de cerca o traballo de creación escultórica, musical e poética dunha figura coma a de Wily, portadora dunha especial forza ingobernable, como propón o título da mostra escollido polo seu comisario, unha forza como dicíamos ingobernable pero non pola súa explosión incontrolable senón pola súa radical liberdade para o control e a sutileza do detalle e do instante.

WILY FORZA INGOBERNABLE
23 de marzo – 5 de abril de 2013

Vista xeral
Vista xeral II
Detalle
Detalle
Detalle
Detalle
Detalle
Sesión con pase de imáxes, música e poesía de Wily a cargo de Celso Fernández e Benxamin Otero

Presentación Ángel Calvo, Celso Fernández e Benxamín Otero
2ª sesión

A poesía de Wily por Celso Fernádez (pdf)

Encontro en torno a obra de Wily con Miguel Anxo Rodríguez e Alberto González Alegre

Encontro Wily con Miguel Anxo Rodríguez e Alberto González Alegre

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FAC CONVIDADXS DIEGO VITES

Diego Vites (Galicia, 1986) presenta no FAC Peregrina a súa primeira montaxe expositiva individual na Península: Jalisia Fanecas; unha enunciación que se relaciona directamente coa idea de excedente que pon en acción o espazo proxecto artístico do Furancho de Arte Contemporánea, no seu ben entendido sentido de “abundancia desvalorizada” que é o que representan as fanecas coma botín de pesca. Jalisia Fanecas é unha exposición de pintura construida dende a apertura que Diego Vites fai das cuestións da súa visibilidade, os seus límites e as súas condicións de produción materiais, as da pintura. Unha montaxe que pretende romper coa normal disposición lineal a favor dun percorrido que impón á mirada sobre a pintura esa mesma oscilación coa que o artista se move entre as múltiples linguaxes formais.

JALISIA FANECAS
23 de novembro – 7 de decembro de 2012
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+ Laboratorio de son FAC con Monica de Nut
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FAC Convidadx Violeta Janeiro Alfageme
O Equipo FAC viu na proposta de Violeta Janeiro de facer un FAC Convidadxs unha interesante oportunidade para o achegamento inédito ata o momento en Galiza á realidade das circunstancias do traballo de creación contemporánea de artistas de diferentes estractos residentes todos eles en Shanghai. TEA ARTISTS, ademáis de abrir a segunda temporada do FAC Peregrina, contribuiu activamente á creación de novos contactos e ao enriquecemento das nosas relacións profesionáis.

TEA ARTISTS
Comisariado Violeta Janeiro + Fotografías de Xepo w.S.
12 de outubro – 26 de outburo de 2012

De la mano del fotógrafo Xepo W.S, hemos ido a conocer a los protagonistas de la escena contemporánea en Shanghai. Nuestro trabajo pretende indagar la situación que vive el arte en una de una de las megalópolis del mundo que está teniendo un crecimiento económico y cambios en su sociedad en tiempos record, y que por lo tanto está en el punto de mira de muchos. Nuestra intención es la de abrir una ventana al fenómeno del arte contemporáneo en China, desmontar algunos falsos mitos y presentar a algunos de sus protagonistas. Para llevarlo a cabo, entrevistamos y fotografiamos a doce artistas de generaciones, ámbitos y éxito diferentes.

Las fotografías de Xepo, muestran sin ningún tipo de artificio y con luz natural al artista con su obra, solo así su discurso se hace sincero, y de alguna manera materializamos su sensibilidad, por ello entrevistamos a personajes muy diferentes entre si, tenemos al artista establecido (Yang ZhanZhong) , al que está despuntando en estos momentos (Yang YongLiang ), a la joven (ZhiYing) , el best seller (Chen Qiang), la escultora (Gaoshan), al new media (YongLiang), al colectivo Made in (con Xu Zhen a la cabeza), a un extranjero (Girolamo Marri), etc… A partir de estas fotografías, obtenemos diferentes perspectivas sobre el mundo del arte en China, y ellos, los artistas, serán los protagonistas. Además de fotografiarlos con su obra, los artistas posan en sus estudios, pues así conocemos su entorno de creación, cuales son sus exigencias y añadimos un poco de fetichismo cuando en estas imágenes aparecen elementos difíciles de encontrar en estudios de artistas europeos.

Hemos dado el nombre de ¨Tea Artists¨ a este proyecto porque siempre nos reciben con un té, que bebemos juntos con su consecuente ceremonia mientras los entrevistamos, un tópico, pero así es. En definitiva, la intención del proyecto es la de acercar la realidad cultural china a través de un acto de comunicación que exponga la situación del arte contemporáneo en el gigante asiático y de cómo la recibimos aquí, en Europa.








Extractos de las entrevistas realizadas a los artistas:

Yang ZhenZhong tiene carrera. Sus vídeos se han expuesto en museos de todo el mundo, y su trabajo se ha visto en ferias y bienales. Causó sensación en la Bienal de Venecia del 2007 con su vídeo ¨Me voy a morir¨, que confronta a gente de diferente nacionalidades pronunciando en su lengua madre la frase que da título a la obra. Para él es fácil exhibir fuera de las fronteras de su país, se considera afortunado y es consciente del interés que despierta China ahora. Nos confiesa que en 1994 empezó a hacer vídeo, con cámaras prestadas, pues era muy difícil hacerse con una cámara básica, ahora es muy fácil. El lenguaje del video arte lo aprendió por su cuenta, en la universidad solo pudo estudiar pintura, pero algunas revistas internacionales llegaron a sus manos y pudo tomar referencias de otros artistas como Bill Viola o Gary Hill. En el mercado negro tuvo acceso a muchas películas que le abrieron los ojos y hoy, nos cuenta que resulta muy fácil hacerse con toda esta información. “Utilizar new media en los ochenta, era una manera de hacer la revolución contra el sistema, en la escuela solo aprendíamos pintura y escultura, Pero ahora el sistema es más abierto y hacer revolución con arte ya no es tan evidente”. Le representa uno de los grandes, Lorenz Heiner, propietario de la galería de arte más influyente de toda Asia: Shanghart. “Los comienzos fueron muy duros, más si tu medio es la imagen en movimiento, pero ahora gozo de una estabilidad que me permite experimentar con otros elementos, ahora me interesa de nuevo la pintura”. Zhenzhong se formó en la prestigiosa Universidad de Hangzou y tuvo como maestro al padre del vídeo arte en China: Zhang Peili. Por aquel entonces, en los ochenta, era difícil saber que es lo que pasaba fuera de las fronteras de su país, y hoy, a pesar de las posibilidades, de poder viajar, a Yang le cuesta dejar su casa, donde no es fácil expresarse como artista, “siempre estás en el punto de mira del gobierno, pero estoy muy cómodo entre mi gente, me cuesta abandonar mis costumbres”. Este apego no se manifiesta en su obra, pues transcienda temas universales, como la muerte y el espíritu de supervivencia.

Yang YongLiang se especializó en tinta china siguiendo a un maestro. “Luego hice diseño grafico y monté mi propio estudio junto a unos compañeros. No hacía más que trabajar, me saturé y decidí dedicarme al vídeo arte, que era algo arriesgado, pero como tenía el ejemplo de los artistas del boom del arte chino, me animé a probar suerte. “Cuando acabé la universidad veía que era una locura lo que se pagaba por el trabajo de algunos artistas chinos y tuve la posibilidad de aprender de otros profesionales como son Zai Guo Qian y Xu Bin. Pertenezco a una generación de artistas jóvenes, he podido viajar y tengo referencias directas de otros artistas.” “Soy completamente autodidacta, y a pesar de ser joven, no tuve la posibilidad de tener una educación en arte contemporáneo, ni siquiera moderno, todo era muy academicista.” “A diferencia de ZenZhong, he podido aprender con la ayuda de internet, aunque tuve que enfrentarme a manuales en inglés para tener acceso a la tecnología. En mi época, no estudiábamos inglés. A nosotros los chinos, todo nos cuesta el doble de trabajo, nos falta el tiempo de recreo para pensar y que surjan las buenas ideas. Somos máquina ejecutoras.” “Hago fotos y luego parte de ellas para realizar mis vídeos. La mayoría de mis coleccionistas son centro europeos, a ellos les gusta esa mezcla de tradición china y modernidad, mi logro está en conseguir animar paisajes pertenecientes a la tradición clásica china.”

Chen Qiang “Yo era profesor de pintura en mis comienzos y enseñaba un estilo realista, lo hacía por dinero, pero me empeñe en encontrar mi propio estilo y lo conseguí a través de la abstracción. Hoy mis obras decoran las paredes de muchos compatriotas chinos, para ellos mi trabajo es muy moderno. Mi referencia es Paul Klee.”

Xue Song “Mi estudio se quemó por accidente, estaba situado en una teatro de ópera, por lo que era un sitio bastante delicado. Sucedió un 26 de diciembre, el día del cumpleaños de Mao, así que me decidí a recolectar los restos de manuales comunistas, los libros rojos que tenía e imágenes de propaganda de Mao para crear mis cuadros, así es como encontré mi lenguaje. Yo tengo mi propio punto de vista sobre este suceso, pero hay quien lo ve como una señal positiva, en China todos jugamos con el doble significado de las cosas.” “Pude dedicarme al arte gracias a coleccionistas extranjeros interesados en el arte de propaganda que yo hacía, ahora la situación ha cambiado y por fín tengo coleccionistas de Hongkong, Taiwan, y el este de Asia.”

ZhiYing
“Me inspiro en la caligrafía china, paso muchas horas escribiendo y de ese ritmo, de esa necesidad de alcanzar la perfección en la escritura, de ahí salen mis cuadros. Pretendo alcanzar un estado zen con mis composiciones, que a mis ojos no son abstractas, son pinturas en detalle de la arena con dibujos que hago con mis dedos en la arena. La abstracción está detrás.”
“Pina Bausch inspiran mis cuadros, la conocí a través de las películas de Almodovar, y en 2008 la vi bailar en Beijing. ¡Este tipo de influencias hubieran sido impensables hace una década!”

Xu Zhen, fue el primer performer chino, y no es que haya habido muchos. Cansado de su trayectoria en solitario, forma el colectivo Made In, donde artistas asalariados desarrollan sus composiciones en conjunto y que firman como colectivo. Son en definitiva una empresa. “Este es una acto sincero con el sistema del arte, pues todo artista de renombre tiene su estructura por detrás, y dicha estructura pone en marcha el grueso de la maquinaria bajo el nombre de una sola persona.”

A Liu Weijian le gustan las series temáticas que se relacionan entre si. Sus pinturas son consistentes e impresionantes en escala. De una manera indirecta, el artista retrata con discreción la angustia del hombre moderno ante la industrialización agresiva que le humilla. Weijian magnifica algunos de los objetos motores de esa industrialización que él ha conocido, y lo consigue al representarlos aislados e inmutables. Sus pinturas nacen de fotografías que el mismo hace, de ahí que tengan encuadres muy cinematográficos, en definitiva muy estudiados. Weijian pinta el estatismo y el silencio que dejan los objetos, que a base de pinceladas él convierte en estatuas. A través de lo estático, el artista consigue representar el paso del tiempo, un tiempo que transcurre lento, un tiempo para el análisis. La paleta de colores fría que utiliza, contribuye a congelar los objetos que escoge con cuidado. Liu Weijian tiene una formación clásica, está latente en su trabajo, pero reinterpretada, en esto ha sido autodidacta. Sus obras son un cúmulo de contradicciones: expresionista en su contención, representa el vacío ocupándolo, y pinta el paso del tiempo con la quietud.

Girólamo es italiano. Estudió bellas artes en la Central San Martins de Londres. Lleva en Shanghai unos 4 años. Llegó buscando oportunidades en el mundo del arte, pero descubrió que en Shanghai no es más fácil que en Europa, y la experiencia le ha servido para centrar el grueso de su obra en estudios etnológicos de dos pueblos, Italia y China. En China se reafirma como itlaiano y en Italia se siente un forastero, es en definitiva, un injerto.

Jin Shang. “En 2008 la economía era muy positiva y occidente invertía en China, yo pertenezco a una generación joven pero lo triste es que el boom no ha dejado un sistema fuerte del que me haya podido beneficiar. Me cuesta producir, el nivel de especialización en mi país no es bueno y siempre tengo que encontrar la manera creativa de hacer las cosas.” “La nacionalidad china no ayuda a vender más, aunque también es cierto que no hay una dura competición entre los artistas en de mi país.” “En China, la clase media está desapareciendo y esto no es bueno para los artistas.” “Me gustaba Santiago Sierra, ahora es demasiado evidente y su estilo lo definiría como seco. Ahora me fijo en David Altmejd.”

Yin Yi es autodidacta, pero el camino no es fácil. “Aprendo leyendo sobre la tecnología del sonido. La acústica la conozco de sobra y mi producción se basa en sonidos tradicionales chinos.” “El ordenador es solo una herramienta, la información de mis composiciones viene de mis lecturas, y esto me diferencia de otros músicos occidentales.” Yin Yi ha abierto su espacio para dar lugar a la música experimental, pero todavía es pronto, apenas tiene repercusión en China. Para Yin Yi la memoria es muy importante en su trabajo, recoge sonidos de su alrededor, pero como la música no es suficiente, necesita de alguna manera aplicarla al arte y es de los pocos que hace instalaciones sonoras en Shanghai.

Pu Jie. -Me encanta Tobías. -¿Tobías? ¿Quiere decir Tapies?- ¡Si! Los nombres en español son terriblemente difíciles de memorizar. “1998 encontré mi propio estilo, el primero que compro mi obra fue un inglés. Esta obra que veis, quizá no salga nunca de mi estudio, es una crítica a la matanza de Tianmen y esto no lo puedo enseñar en China, por ello pinto botas y flores en Tianmen.” “Los 90 fueron tremendamente difíciles, el gobiernos no entendía lo que sucedía con el arte contemporáneo, lo consideraban peligroso y censuraban las exposiciones, ahora es mejor, pero todavía nos cuesta mucho.”

GaoShan es una artista discreta. Esculpe sobre esponjas amarillas con un cuchillo de Ikea. Lo de trabajar con esponjas es fruto de la casualidad, se le ocurrió un día cuando bebía té con amigos mientras sus dedos descuartizaban una pequeña esponja que tenía entre manos. Como suele ser habitual, puso todo su empeño en sacar el máximo realismo de sus figuras, pero ahora opta por un arte más abstracto, concediéndole todo el protagonismo a la materia. Su serie de figuras redondas son irresistibles a los sentidos por su rotundidad y ligereza, algo difícil de conseguir y que GaoShan trata con sumo naturalismo cuando añade polvo de pintura rosa, silicona y algunos cabellos, por lo que de alguna manera nuestro yo más intrínseco se puede reconocer en estas formas sin llegar a identificarlas por completo con parte alguna de nuestro cuerpo. Sensación final: curiosidad, desconcierto y belleza.

Xepo W.S. (Dénia, 1980) tiene el carácter de quien creció a orillas del mar Mediterráneo. Completó sus estudios de fotografía en Barcelona. Sus encuadres respiran nouvelle vague, y el objeto de interés es casi siempre la naturaleza en su estado más puro o la política en su situación más putrefacta. Encuentra su inspiración en el arte contemporáneo, y el trasfondo de su trabajo prima la insoportable levedad del ser vista desde fuera. Sin entremetimientos, su gran logro es la contención. Además de su carrera como artista, con trabajos como “Nao quero ser portugués” o “Xie Xie”, ha fotografiado a estrellas del cine y modelos como son Cindy Crawford o Nicole Kidman, para la marca de relojes Omega. Sus trabajo más creativo y otros compromisos laborales, le han llevado a Europa, América del Norte, Islandia, China o Zambia. En octubre del 2011, Xepo terminó su residencia de artista en el Swatch Art Peace Hotel de Shanghai.

Violeta Janeiro Alfageme (Vigo, 1982), comisaria independiente. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Santiago de Comspotela. Prueba de suficiencia investigadora (DEA) por la USC. “ El objeto de arte como fetiche: las figuras de Joseph Beuys y Mathew Barney” Master en Bellas Artes en la Kingstong University de Londres. Ha desarrollado su actividad profesional en el departamento de educación de la Bienal de Arte de Venecia. Durante dos años ha sido parte del equipo de comisariado del Guggenheim Museum de Nueva York y en los dos últimos años ha compaginado su labor de gestora cultural en el Consulado General de España de Shangai con comisariados freelance de proyectos culturales varios.

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FAC Convidadx Baleiro

O Equipo FAC convida ao equipo de traballo Baleiro, formado por Daniel López e Victor E. Pérez, movido ademáis de pola súa relación de proximidade intelectual e afectiva, pola pertinencia do seu rigor e longa experiencia na produción formal e de pensamento entendida coma ferramenta de reflexión para a comprensión e a explicación do noso contexto específico dentro do devir histórico e sempre en relación con outros contextos así como co obxectivo de coñecer e compartir a súa escolla artística para a presentación destas reflexións.

COMO MEDIR UN PLANETA

Joan Morera, Eduardo Outeiro e Miguel Prado

29 de xuño – 20 de xullo 2012

Inauguración e mesa redonda venres 29 de xuño ás 20:00 hs.

A tecnoloxía empregada por unha sociedade reficte o xeito en que esta observa, interpreta e intervén o medio ambiente. Por este motivo, un amplo repertorio de medidas tradicionais perdurou en Galicia fronte á progresiva implantación do sistema métrico decimal desde os anos da Ilustración. Mais o proceso de adaptación non foi inocuo: a conversión técnica levou aparellada a substitución dos vellos métodos fragmentarios e locais por un novo ideario científco, global, baseado nos principios de igualdade e xustiza das revolucións liberais. Estes esforzos, aplicados principalmente nos ámbitos educativo e industrial, infuíron decisivamente nas connotacións que termos como “progreso”, “desenvolvemento” ou “benestar” adquiren cando son aplicados ao país.

O convite que recebemos por parte do equipo do FAC Peregrina para desenvolver un proxecto curatorial que atendera ao contexto rural onde se atopa este espazo resultounos especialmente atractivo. Mais non debemos esquecer que ao traballar desde esta premisa, o medio non pode ser comprendido soamente como algo físico (ou obxectivo) nin soamente mental (ou subxectivo), senón como traxectoria. Esta exposición quere poñer en práctiva a capacidade da arte para transitar entre estes dous polos, pois estamos seguros de que no fondo, o que verdadeiramente importa cando un se move é saber orientarse mais que coñecer a distancia que queda por percorrer. Imaxinarnos, por un momento, herdeiros de Ptolomeo, quen se propuxo realizar un mapa do mundo e os seus cálculos evidenciaron que o fnalmente debullado, de Cabo Verde á China, correspondíase con un cuarto da superfcie total do planeta: el foi consciente de que o seu mapa tan só refectía a ecúmene, o conxunto de mundo coñecido por unha cultura determinada. Se a cultura métrica defne a nosa percepción do planeta no que vivimos, que outras rexións da terra e do ceo estarán aínda por descubrir?

Como medir un planeta formula unha refexión sobre as condicións obxectivas nas que o ser humano habita o mundo a través do traballo de tres artistas que empregan o acto de medir como estratexia creativa. Eles son Joan Morera (Vigo, 1984), Eduardo Outeiro (A Coruña, 1981) e Miguel Prado (A Coruña, 1985), creadores emerxentes galegos que, servíndose da escultura, o son, o vídeo e a instalación, presentan os seus últimos traballos, algúns deles especifcamente producidos para esta mostra.










Baleiro é un equipo de traballo formado polos historiadores da arte Daniel López Abel (Lugo, 1979) e Víctor E. Pérez (A Coruña, 1981). O colectivo desenvolve a súa actividade no espazo de mesmo nome, unha ofcina adscrita á Universidade de Santiago de Compostela pero de xestión independiente que serve de lugar de encontro, refexión e produción de proxectos relacionados coa arte contemporánea. O seu traballo investiga as relacións entre arte, política e sociedade, e plásmase en textos, seminarios e exposicións. Son os redactores do informe do Consello da Cultura Galega Arte+Espazo Público (2011), editaron os libros Camiños de desexo (2011) e Canales alternativos de creación. Una aproximación crítica (2012), así como diversas colaboracións en revistas culturais galegas. Teñen comisariado exposicións como Ponlle nome. Unha proposta de participación crítica (Igrexa Da Universidade; Santiago de Compostela, 2008), Desastres estruturados e-2x (Coro da Igrexa da Universidade; Santiago de Compostela, 2006) ou Proxecto Procesos 1 (Centro Galego de Arte Contemporánea; Santiago de Compostela, 2004). Tamén participaron en diversos proxectos de educación e divulgación artística en colaboración co Consello da Cultura Galega, o Centro Galego de Arte Contemporánea e o Máster en Arte, Museoloxía e Crítica Contemporáneas da Universidade de Santiago de Compostela.

Joan Morera (Vigo, 1984) é licenciado en Belas Artes pola Universidade de Vigo e posgraduado en Fotoperiodismo e Fotografía Documental pola Universidad de Sevilla. Doutourando en período de tese co proxecto de investigación Construción simbólica da paisaxe galega contemporánea. O sentido do lugar a través de rexistros visuais, o seu traballo xira en torno á noción contemporánea de paisaxe e territorio mediante aproximacións socio-económicas, de uso e emocionais. Cabe salientar a selección da súa obra no Certamen Novos Valores da Deputación de Pontevedra en 2010; no Premio Auditorio de Galicia para Novos Artistas nas edicicóns de 2009 e 2011, acadando na primeira o Premio do Público pola súa obra fotográfca Vigo-Dakar; así mesmo, foi 2o Premio no II Certamen de Fotografía: Lucha contra la Pobreza y Exclusión Social da Fundación Galicia Europa (Santiago de Compostela, 2010). Participou en exposicións colectivas como IMAN (Braga, 2010) ou 25 Rendez- vous des Jeunes Plasticiens (Toulon, Francia; 2008). Como integrante do colectivo LIBA (Laboratorio de Investigación en Belas Artes) ten participado nos proxectos Beliba (Fundación Serralves; Porto, 2010), Star System (Sala Alterarte; Ourense, 2010), Piensa, desea, parpadea (Centro de Arte y Creación Industrial Laboral; Gijón, 2010) Estatrexias urbanas deslocalizadas (Casa da Cultura Galega; Vigo, 2009) e Perfo(re)searches (Fundación Serralves; Porto, 2009).

Eduardo Outeiro (A Coruña, 1981) é licenciado en Belas Artes pola Universidade de Vigo. Tras desfrutar de bolsas formativas en Iasi (Rumanía) e Guadalajara (México), e unha vez de volta en Galicia, desenvolve unha investigación doutoral centrada na pintura e a fotografía. Na actualidade o seu traballo traspasa as fronteiras do bidimensional para refectir un interese pola escultura e a instalación, sempre desde unha postura experiencial e de gran profundidade técnica. Ten exposto en exposicións colectivas como Cartografía do presente. Colección de arte contemporánea da Fundación Laxeiro (Fundación Laxeiro; Vigo, 2011), Watts (Sala X; Pontevedra, 2010), Facer e deixar facer ( Fundación Laxeiro; Vigo, 2008) e Desastres estruturados e-2x (Coro da Igrexa da Universidade; Santiago de Compostela, 2006). Entre as súas exposicións individuais é necesario salientar Cabanas para pensar (Fundación Luis Seoane; A Coruña, 2011/ Fundación José Guerrero; Granada, 2011) un proxecto de gran envergadura comisariado por Alberto Ruiz de Samaniego e Alfredo Olmedo que o levou a viaxar durante semanas polo norte de Europa para fotografar e documentar as cabanas onde traballaron algúns dos pensadores e artistas máis importantes da modernidade.

Miguel Prado ( A Coruña, 1985) é un artista que traballa habitualmente coa improvisación, o son, o silencio e a performance. Trata de cuestionar a noción de espectáculo, de autoría e subxectividade, a produción artística e as expectativas creadas alrededor desta. Actualmente coordina os selos discográficos Taumaturgia e Heresy, realiza o comisariado de diversos programas de música experimental e performance mediante a asociación Fase e a produtora Sinsal. O seu traballo ten estado presente en centros como Arteleku (Gipuzkoa), Fundación Luis Seoane (A Coruña), Festsaal Kreuzberg (Berlín), CGAI (A Coruña), CGAC (Santiago de Compostela), Centre d’Art Contemporain de Bretigny, (S8) Mostra de Cinema Periférico (A Coruña) ou Matadero Ekintzak (Azkoitia). Ten colaborado con numerosos artistas internacionais como Seijiro Murayama, Mattin, Ryu Hankil, Stephen O Ḿ alley, Rinji Fukuoka ou Michel Henritzi, nunha fervente actividade que tamén abarca instalacións sonoras, composición de música para cinema, danza e escrita, así como diversas participacións en conferencias, cursos e seminarios.

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FAC Convidadx PLÉTORA, La exposición

O Equipo FAC convida á nova revista de arte contemporánea P L É T O R A a facer a súa presentación oficial no FAC Peregrina alentado polo que será o subtítulo do seu primeiro número: a comunidade do desexo e o desexo de comunidade. Coa intención de xerar máis amplas sinerxias o Equipo FAC convida a “PLÉTORA, La exposición” a facer un despregue dalgúns dos contidos artísticos e textuais que constitúen o seu intento por devir proxecto de construcción utópica e social.

PLÉTORA, La exposición

01 de xuño – 22 de xuño de 2012

Inauguración venres 1 de xuño ás 20:00 hs.

Concerto Ópera electrónica “Barroca” ás 22:00 hs.

PLÉTORA é un proxecto editorial na Internet especializado en arte contemporánea. Nace da urxencia de estimular o tecido cultural, en concreto aquel vinculado ás artes visuais en Galicia, coma un exercicio que fomente a diversidade e a calidade dos contidos; á vez que aposta por un espectador que conta coas ferramentas axeitadas para interpretar e valorar as prácticas artísticas contemporáneas. Non debemos esquecer que a reflexión crítica forma parte do significado mesmo da arte e que sen a súa posibilidade achegámonos a un exercicio de disolución da cultura en inercias anodinas e perversas baseadas en estratexias de hexemonía e dominación.

Os novos medios permítennos crear dispositivos que ao baixo custo divulgan contidos de forma case inmediata. PLÉTORA válese destes medios para a produción cognitivo-discursiva, sacando á luz tres veces ao ano unha constelación de artigos, entrevistas e pezas artísticas vinculadas co pensamento crítico, a actualidade expositiva e as novas producións de mozos artistas. Deste modo constrúese como escenario aberto á comunicación que incide na esixencia de rigor epistémico e crítico e que asume a crise económica como a oportunidade, evitando actitudes ancoradas na parálise ou a desidia, fomentando novos proxectos que desafíen a falla de presupostos e subvencións (a pesares de que en consecuencia non reivindiquemos a profesionalización do sector con honorarios dignos e intercambios comerciais responsables).

PLÉTORA consiste en pensar dende a heterodoxia intelectual e dende unha vontade construtiva; deixando de lado as inxenuas pretensións de reactivar o que nunca estivo activo, nin de cegarse con lumes de artificio. Apostamos pola construción dun tecido cultural dende o entusiasmo entendendo a arte como unha primeira necesidade e nos negamos rotundamente a que a crise económica encubra outra serie de fracturas como a educativa ou a cultural.

Imaxe: Vivenzas dunha pega (primeiro ensaio sobre o exceso e o luxo), Josetxu F. Cáccamo, fotografía del making of del vídeo homónimo de Amaya González Reyes. Cortesía da artista.

Vista xeral I

Vista xeral II

María Magán

Joan Morera

Ulobit

Lois Patiño

Enrique Lista

Carla Andrade

Vista xeral III

Amaya González Reyes

Joan Morera

Carla Andrade

Luis Díaz Díaz

Diego Vites

Diego Vites

Ópera Barroca Electrónica

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FAC Convidadx Mauro Trastoy

O Equipo FAC convida ao artista visual Mauro Trastoy a despregar a súas pezas produto de procesos de traballo interrompidos nos últimos cinco anos movido polo desexo de facer posible un visionado global da súa obra e de profundizar na relación das súas pezas co espazo proxecto artístico autoxestionado do Furancho de Arte Contemporánea co obxectivo de asistir a unha produción de significado nova e específica e de dar a ver a poderosa fraxilidade da súas presenzas.

1+1+1+

MAURO TRASTOY

“Se alguén oprime o 1 dunha máquina sumadora, e repite a operación, e a segue repetido sen cesar durante horas e horas, a máquina non aprenderá xamáis a anticiparse ao operador sumando un novo 1 por si mesma, a pesar de que calquera persoa asimilaría moi rápidamente o comportamento repetitivo.

Xurde daquela a emoción do infinito”. (Douglas R. Hofstadter, en Gödel, Escher, Bach. Un eterno e grácil bucle)

Esta é unha selección de obras dos últimos 5 anos.

Algunhas tiveron certa continuidade nunha serie, outras sen embargo quedaron en pequenas incursións ou abandonadas en metade da súa elaboración.

Intento agora que se relacionen entre si nun contexto diferente ao taller, onde foron formuladas.

Proceso de elaboración:

A partir dun material (corda, arame, madeira…) concreto un xesto/acción (medir-recortar-atar, cortar-pegar…).

A repetición dese xesto/acción constrúe unha estrutura (desde un primeiro momento vanse configurando unhas pautas de acción que procuro manter en todo momento).

O proceso interrómpese debido a varios motivos:

a. Non dispoñer de tempo.

b. Cansazo.

c. Cúbrese o espazo destinado a un proceso determinado (lenzo, habitación…).

d. Alternar varios procesos. Voy comenzando uns en detrimento doutros.

e. …

Montaxe: Támmara Bescansa

+ info: Mauro Trastoy

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